Das Projekt versucht die Heilsgeschichte in „Erscheinungsformen Gottes“ auf drei Ebenen darzustellen
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Das Ölgemälde zeigt Maria, die ihren erstgeborenen Sohn nach jüdischer Tradition im Tempel opfert. Sie hat Jesus bereits Simeon in die Arme gelegt, was Rembrandt auf seinem letzten Bild (Simeon im Tempel, 1669) gezeigt hat. Das vorliegende Bild ist durch die Lichtgebung an dieses angelehnt. Simeon sagt: “Siehe, dieser ist dazu bestimmt, dass in Israel viele zu Fall kommen und aufgerichtet werden, und er wird ein Zeichen sein, dem widersprochen wird, und deine Seele wird ein Schwert durchdringen” (Lukas 2:34). Auf diese Worte reagiert Maria mit gemischten Gefühlen. Gleichzeitig streckt sie ihre Arme aus, um die Sorgen und Nöte des Betrachters entgegenzunehmen. Diese “Darstellung des Herrn” weist darauf hin, dass Jesus Mensch geworden ist, um mitten unter uns zu sein und dass seine Mutter auch unsere Mutter ist. Das Originalgemälde 29,7 x 38,5 cm befindet sich im Privatbesitz.
Als Basis für Portraits benutze ich meistens eigens dafür erstellte Fotos, die ich dann in der gewählten Technik auf der Leinwand, Karton oder Holz in mehreren Sitzungen ausführe.
MehrDas Medium und die Technik hängen von der Art des Werks, des Gegenstands oder der beabsichtigten Wirkung ab. Hier sind zwei Beispiele für Techniken in der Ölmalerei.
Bevor ich an einem Bild arbeite, untersuche ich normalerweise, wie die verschiedenen Medien funktionieren.
Ich kann verschiedene Stile auf Übungsblättern ausprobieren, um Ausdruck und Textur zu bestimmen und um herauszufinden, welche angewandt werden soll, um verschiedene Effekte zu erzielen.
In der Regel wird eine monochrome Untermalung mit deckenden Farben erstellt, auf die dann nach und nach Lasuren aufgetragen werden, wobei jede Schicht zwischenzeitlich trocknen muss. Dieses Verfahren ist aufgrund der langsamen Trocknungszeit von Ölfarbe natürlich sehr zeitaufwändig. Je nachdem, wie viele Lasuren verwendet werden, kann die Herstellung eines Ölgemäldes mit dieser Methode zwischen einigen Wochen und mehreren Monaten dauern.
Wenn mehrere Lasurschichten verwendet werden, können die Farben in allen sichtbaren Schichten kombiniert erscheinen. Die Pigmente werden jedoch nicht physisch vermischt, da die Farbe trocknen muss, bevor die nächste Lasur aufgetragen wird.
Die dünnen öligen Schichten einer Lasur können die Wiedergabe von Details erleichtern, die mit deckenden Farben schwieriger wären, z. B. die Komplexität von Hauttönen.
In diesem Beispiel können Sie sehen, wie das Porträt aufgrund seines Charakters viele Ebenen und Motive umfasst. Am unteren Rand des Bildes habe ich eine Blume und zwei Figuren platziert, die in Kontemplation versunken sind. Dies spiegelt die Tiefe der porträtierten Person wider.
Ich verwandelte den Hintergrund in eine Landschaft und setzte die ersten Umrisse des Gesichts darauf. Das Konzept des Gemäldes hat eine Reihe von Entwicklungen durchlaufen, da ich nicht nur die Ähnlichkeit der Person, sondern auch ihren Charakter und ihr Temperament widerspiegeln wollte.
Eine große Vielfalt an Charakternuancen und eine üppige Palette an Gefühlen zeigen verschiedene Schmetterlingsarten. Jeder von ihnen symbolisiert eine psychologische Tendenz der porträtierten Person. Alles dreht sich um ihr Inneres in der Hülle der liebenden Hände.
Es gibt keine bessere Art zu lernen, wie man malt, als alte Meister zu studieren
In meiner Jugend war ich fasziniert von der Kunst der Comics, insbesondere von Albert Uderzo. Ich beschloss, wie er zu zeichnen, und kopierte die Zeichnungen, bis sie ähnlich waren. Später ging meine Faszination auf Leonardo da Vinci über und ich studierte seine Bilder und probierte verschiedene Maltechniken aus. Der nächste Meister, dem ich begegnete, war Rembrandt. Seine Faszination für das Licht und seine meisterhafte Art, Farben aufzutragen, hatten einen großen Einfluss auf meine Bilder. Später lernte ich Jan Vermeer und seine meisterhafte Lasurtechnik kennen. Van Gogh hat mir gezeigt, wie die Realität der Welt unablässig in die Realität der Kunst verwandelt werden kann.
Mein Studium der Malerei wurde durch die Werke von Malern des 20. Jahrhunderts ergänzt, von denen mir nur Gustav Klimt nahe blieb. Fantisek Kupka, der seine Malerei in Richtung Abstraktion entwickelte, später Kandynsky und Picasso, zeigten mir, wie man sich auf den Pfaden von Ruhm und Mode verlieren kann.
